KOONING
b) Pintura expresionista abstracta
c) Willem de Kooning
d) Obras de Kooning
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Nació
en 1942 en Estados Unidos, cuando llegan noticias del expresionismo alemán y
del surrealismo[1].
Se desarrolla en plena Guerra
Fría, y convirtió a New York en la nueva París del momento, como
ciudad cosmopolita y referencia mundial del arte.
Fue
desarrollado por un grupo de artistas[2],
posiblemente protegidos por la CIA[3],
que comparten unos mismos preceptos, una conciencia de grupo, y ausencia de una
misma formalidad técnica[4].
Su
término
proviene del crítico Coates, que en su columna del The New Yorker afirmó que “algunos lo califican como una escuela
de manchas y borrones, mientras yo lo considero como expresionismo abstracto”.
Recibió
influencia
del:
-cubismo,
sobre todo de Picasso,
-surrealismo,
sobre todo de Miró,
-psicoanálisis,
sobre todo de Carl Jung[5].
-existencialismo,
sobre todo de Sartre[6],
-muralismo,
sobre todo el mexicano,
-Proyecto
de Arte federal, que animó a los jóvenes pintores a decorar los edificios
neoyorkinos.
Ejerció
influencia
sobre muchos movimientos, tales como:
-el
arte abstracto post-pictórico,
-el
arte de las performances,
-el
arte minimalista.
Su difusión corrió a cargo de los escritos:
-de
Rosenberg y Greenberg, que escribieron libros y concedieron entrevistas,
-del
The New York Times, que fue publicando
desde 1942 las cartas Rothko y Gottlieb acerca de los objetivos del movimiento[7].
Así
como por las exposiciones:
-del
MoMA[8],
inaugurado en 1942 por Barr[9],
-de
la Galería Art of this century de New
York-1942, a cargo de Peggy Guggenheim,
-de
la Galería Artistas en el exilio de
New York-1943, a cargo de Pierre Matisse.
Hay
3 tipos de
Arte expresionista abstracto:
-expresionismo
de la Pintura Acción, donde
destacan Pollock y Kooning. Aquí lo importante es el gesto y la acción del
artista, para que luego un psicoanalista lo
interprete;
-expresionismo
del Campo de Color, donde destaca
Rothko. Aquí lo importante son los paisajes que sinteticen la naturaleza;
-expresionismo
de los Independientes, donde
destaca Gorky y Kline.
Giró
en torno a una
idea compartida: expresar las verdades eternas, captando lo
sublime, aprehendiendo la metafísica, deseando la heroicidad[10].
Rechaza
las técnicas
clásicas y su acabado perfecto[11],
experimenta las viejas innovaciones de las primeras vanguardias, e incorpora las
nuevas técnicas y pinturas comerciales. En ese sentido, explota los aspectos
del proceso: gesto, color, textura y forma, por ese mismo orden y con total
ferocidad y agresividad.
Busca
ante todo la libertad
e individualización,
de forma rebelde, franca, inconformista, inmediata e improvisada. Pues así el
inconsciente estará libre de la contaminación social, y se podrá pintar de
forma inconsciente.
No
obstante, también trata de descifrar los mitos y símbolos colectivos de los
que participa el subconsciente
colectivo.
Intenta
que el espectador sienta lo que sienten los artistas. De ahí que sus cuadros
sean cuadros-terapia[12],
registros de una lucha existencial, de una autodefinición personal, de la
conciencia de pequeñez humana.
Utiliza
grandes
formatos, como mejor medio para magnificar la pequeñez humana. Así
las pinturas podían verse desde lejos, podían impresionar y lanzar desafíos al
espectador[13].
c) Willem
de Kooning
Pintor
holandés americanizado, Willem de Kooning (1904-1997) había llegado
a Estados Unidos como polizón en un barco. Fue amante del Jazz, alcanzó la
fama y se enriqueció de forma muy rápida.
Desarrolló
su vida
laboral dando clases en varias escuelas y universidades de arte,
aportando una formación teórica profunda. También compartió estudio con
Gorky, debatiendo con él las claves del arte expresionista abstracto.
Su
obra pictórica
fue cromática, colorista y agresiva, reflejando el giro, el movimiento y la
armonía en la pincelada. Se sirvió de toda clase de imágenes eclécticas,
vistas bajo el prisma del cubismo y sin abandonar por completo la figuración.
Muestra también cierta influencia del informalismo y arte japonés. Su
abstracción se centró en el tema de la desesperación, porque es el que más
le pegaba y porque él a veces también se sentía desesperado.
Destaca su Women-1950, serie de pinturas muy criticadas por dar una imagen terrorífica de la mujer, llena de gestos violentos y groseros, aunque con gran vitalidad. Fueron realizadas tras un largo proceso de creación, y pudo tener la intención de menospreciar la crítica artística.
ed.
Mercaba
Diócesis
de Cartagena-Murcia
Indice
general: www.mercaba.org/GET/cartel-enciclopedia.htm
_______________________________
[1]
Iniciado por ANDRE BRETON, en su intento por descubrir los mundos del
inconsciente y del subconsciente a través de la escritura, la escultura, la
pintura...
[2]
Tales como ROTHKO, KOOONING, POLLOCK, GOTTLIEB, GORKY, REINHARDT, KLINE,
HOFFMAN, BARNETT NEWMAN...
[3]
Pues muchos de ellos emigraron de Europa a Estados Unidos por cuestiones políticas,
y no sólo por las económicas o personales. Fue el caso de DALI, ERNST,
BRETON, MASSON, TANGUY, MONDRIAN, LEGER, CHAGALL, DUCHAMP, GROPIUS...
[4]
Como ellos mismo decían, “estamos de acuerdo únicamente en que somos
diferentes”.
[5]
Y su teoría del subconsciente colectivo.
[6]
Que defendía el vacío, la nada, el hombre actual sin esperanza.
[7]
Tales como que su arte era:
-una
aventura hacia un mundo desconocido, a ser explorado por quienes estén
dispuestos a asumir los riesgos,
-imaginativo,
de libre de fantasía y violentamente opuesto al sentido común,
-una
simple expresión del complejo mundo del pensamiento,
-impactante
en lo inequívoco,
-artísticamente
favorable a la planitud, para revelar la verdad y destruir toda ilusión.
[8]
Museo de Arte Moderno de New York.
[9]
Y en el que se fueron exponiendo sus colecciones pictóricas, fotogramas y
diseños industriales.
[10]
Como decía el propio ROTHKO, “para nada me interesan las relaciones cromáticas
o formales, ni nada parecido. Pues sólo me interesa expresar las emociones
humanas básicas, la tragedia, el éxtasis, la fatalidad”.
[11]
Pues prefiere mostrar el proceso al acabado.
[12]
Como definió el propio POLLOCK, al defender que “la pintura es un
estado de ser, es un descubrimiento de uno mismo”.
[13]
Pues “siempre que pintas un cuadro grande estás dentro de él. No
es algo que tú controlas”, explicaban los expresionistas abstractos.